COLEGIO DE ABOGADOS DE LARA
CENTRO NACIONAL AUTONOMO DE CINEMATOGRAFIA-CNAC
CINE CLUB CHARLES CHAPLIN
PROMAR TV- LA 94.1 FM
IRIBARREN FILMS - WEB SUMINISTROS
PRESENTAN:
32º ANIVERSARIO DE LA FUNDACION DEL CINE CLUB
CONTINUACION… FESTIVAL DE CINE ORIENTAL 2008
GRANDES CLASICOS DEL CINE JAPONES DEL MAESTRO
AKIRA KUROSAWA.
MAYO 2008
SABADO 3-05-08. 6:30 P.M
SAMARITAN GIRL
DE KIM KI-DUK
Oso de Plata al Mejor director 54º edición del Festival de Cine de Berlín 2004.
Sinopsis
Yeo-jin es una adolescente que vive feliz con su padre, que es detective. Su mejor amiga, Jae-young, se prostituye mientras Yeo-jin la ayuda como manager y guarda sus beneficios para el viaje que ambas tienen planeado hacer a Europa.Jae-young le cuenta una vieja historia india a Yeo-jin, dónde una prostituta llamada Vasumitra se convirtió en hombre tras haber practicado el sexo con unos Budistas de mucha fe. Jae-young le propone a Yeo-jin llamarla Vasumitra a partir de entonces.Más tarde, Jae-young acaba enamorándose de uno de sus clientes. Pero Yeo-jin se enfada porque se ha acercado demasiado a su cliente. Entonces, Jae-young deja al hombre por petición de Yeo-jin. Un día, cuando la policía va al motel en busca de prostitución de menores, Jae-young se escapa por una ventana y cae al suelo bruscamente. Herida y en su lecho de muerte, Jae-young le pide a Yeo-jin que traiga al hombre del que se había enamorado. Cuando Yeo-jin va en su busca, éste no quiere saber nada de la joven...
Ficha técnica
Corea del Sur - 2004.
Título original: Samaria. Dirección: Kim Ki-dukProductora: Kim Ki-duk Film.
Productor: Jeong-min Bae
Guionista: Kim Ki-duk. Fotografía: Sun Sang-Jae y Sang-jae Seon
Vestuario: Lim Seung-Hee. Maquillaje: Lim Seung-HeeMontaje: Kim Ki-duk.
Música: Ji-woong Park y Park Ji
Ficha artística Ji-min Kwak (Yeo-Jin), Min-jeong Seo (Jae-young), Eol Lee (Yeong-ki).
Entrevista con Kim Ki-duk
Ha presentado "Samaritan Girl" como una nueva etapa de tu carrera. ¿Por qué esta película es diferente a las demás?
Antes de "Samaritan Girl" mis películas se centraban únicamente en los personajes, mientras que ésta muestra a gente que quiere entender lo que sucede a su alrededor, que quiere comprender un determinado fenómeno social. Yo muestro esta tentativa, es un punto de vista más amplio.
Efectivamente, si hubiésemos podido encontrar a los personajes de "Samaritan Girl" en sus filmes precedentes, aquí los habría dejado salir de su universo para enfrentarlos con el mundo exterior. Todo el mundo mira un filme desde su propia moral, su propia ética, lo que puede constituir una barrera para la verdadera comprensión de lo que se desea mostrar. Nos censuramos a nosotros mismos. Todo el mundo se dice: "ésto es inmoral", "ésto no vale", "aquí hay un problema"; todas esas son barreras para la percepción de un filme de estas características. Desde ese punto de vista y a través de su narración, mi película es peligrosa porque se sitúa fuera de esas consideraciones. La gente quieren vivir la vida con una moralidad, pero yo no creo que el cine deba hacerlo. No se debe defender una determinada moral, sino situarse más allá.
Sin embargo, ha introducido precisamente en "Samaritan Girl", a través del personaje del padre, una figura que permanecía hasta ahora ausente de sus filmes. Es decir, un personaje moralizador, un protagonista con el que los espectadores pueden identificarse puesto que lucha precisamente por proteger unos determinados valores morales.
Sí, eso es cierto en principio. El padre ha tenido un shock y, como tiene una determinada moral, quiere comprender por qué su hija ha traspasado esa frontera (la de la prostitución). Al final de esta historia, sin embargo, acaba por reflexionar y antes de juzgar si el acto es moral o inmoral, se centra en los valores vitales con cierta vocación curativa. Esa es precisamente la idea de partida, que es bastante peligrosa.
Sus películas son bastante duras y, sin embargo, al mismo tiempo, muy bellas. En "Samaritan Girl", "La isla" o "Domicilio desconocido" se las ha arreglado para hacer nacer la belleza en cosas que son lúgubres, sórdidas. ¿Cree que la capacidad de reconocer la belleza en todo lo que nos rodea es necesaria para sobrevivir?
Sea cual sea la clase social de cada uno, no es obvio decir que se es feliz. Los que son ricos desean quizás otra cosa, pero el hecho de quitarles el dinero no haría forzosamente que lo consiguieran. Y lo mismo sirve para los pobres, que pueden esperar ser más felices con más dinero sin que ese sea realmente el caso. Así, todos necesitamos consuelo, papel que cumplen los sueños. Los sueños son del cine, y el cine se alimenta de sueños porque son los que nos empujan a vivir. Además, a través de la cámara, una cosa sórdida puede ser vista de otra forma, más alegre, más hermosa. No es sino mirando atentamente algo sórdido que descubrimos su belleza.
¿Tiene miedo de que los espectadores no perciban esa belleza? Porque cuando presenta sus películas, se disculpa primero por si impactan.
Tiene razón, pero usted no es así y eso me reafirma. Yo prevengo por seguridad, aunque sólo haya una persona entre mil no estará de más.
¿De dónde viene ese gusto por los personajes marginales y, especialmente, por las recurrentes prostitutas?
¡También los chicos son samaritanos! Me intereso por la gente que se encuentra "a ras de suelo", que se enfrenta a la dificultad de vivir, que son inestables y se preocupan por su incierto futuro. Hay en ellos una energía que nace de la crisis. Esta energía les da una intensidad y un interés, y yo me siento constantemente atraído por su universo.
Parece, efectivamente, que las situaciones de crisis favorecen la creatividad...Sí, es una idea obsesiva del cine en cuanto a mezcla de tensión, de crisis, de paz, de ironía y de destrucción. Para mí, el cine es todo ésto a la vez.
¿Tiene el cine coreano un nueva riqueza a pesar de la crisis entre norte y sur? ¿La división del país da una fuerza a su cine, que quizá no estuviera allí si no se conociera esta situación?
La cuestión más difícil de abordar es ¿por qué?: ¿Por qué esta película? ¿Por qué allí? Porque no hay una respuesta única que englobe toda la problemática, sabiendo que entran en juego las historias personales (individuales, existenciales) y las de la sociedad. Todo se mezcla y cada historia es muy compleja.
Su interpretación del catolicismo es bastante particular y precisamente el cartel de "Samaritan Girl” -que ha sido censurado en Corea- es una bello ejemplo...De hecho, ese catolicismo aparente no es más que una apariencia, porque el símbolo más importante de la religión católica, a mi entender, es la cruz, y no el hábito religioso. ¿Nos sirve la religión tal y como debería, es decir, de consuelo y salvación? Es más bien utilizada por el poder a través de propósitos egoístas. La imagen del cartel es una deformación de esa imagen de la religión, que provoca aunque no sea su propósito, porque "Samaritan Girl" no es una película sobre la religión.
A través de su forma de entender lo cotidiano, de intentar aportar una solución a la gente, de ofrecerles modos de reflexión, ejemplos de relaciones humanas, ¿su cine podría ser considerado como una forma de religión?
Si lo considera así, me siento muy halagado. Pero yo, Kim Ki-duk, no constituyo una religión en mí mismo, evidentemente.
Kim Ki-duk (director)
Kim Ki-duk nació en 1961 en una zona rural al norte de Kyungsang, en Corea del Sur. Iba a dedicarse a la vida agrícola hasta que su experiencia en el ejército durante el servicio militar provocó un cambio radical en él. Decidido a convertirse en artista, se fue a París, donde subsistió pintando cuadros que vendía por la calle. Ésto influiría decisivamente en su estilo como director de cine, concibiendo los planos como obras pictóricas, tanto en el aspecto compositivo como en el cromático. De regreso a Corea empezó a escribir guiones y consiguió sus primeros premios. Poco después, sin noción alguna de realización, dirigió su primera película, "Cocodrile". Con esta ópera prima marcó lo que será la tónica de su carrera: polémica, osadía, capacidad para ver belleza donde nadie la ve. Desde entonces ha dirigido una película por año, desarrollando su peculiar visión del comportamiento humano junto con una visión poética y visual.
No cabe ninguna duda de que Kim Ki-duk es un realizador incapaz de dejar indiferente a nadie. Sus películas están mayormente alejadas del sentido del humor, prefiriendo reflejar la violencia en sus dos vertientes: física y psicológica. Para él, toda violencia, todo acto perverso esconde una particular concepción de la belleza. No hay lugar, por lo tanto, para el maniqueísmo. Kim Ki-duk decide no juzgar a sus personajes, únicamente quiere reflejar sus perversiones con todas sus consecuencias. Dotado de una mirada profunda, utiliza el cine para mostrar los males primordiales de la sociedad. La imperfección es el rasgo constante de sus personajes. Éstos son marginales y solitarios. Normalmente aislados en un contexto, constituyen una dura metáfora de la realidad. Esta sensación se refuerza por el uso de los diálogos, reduciéndolos al mínimo en virtud de la fuerza evocadora de sus imágenes. Sus criaturas han sufrido una herida muy profunda, una decepción muy grande que ha matado su fe y su confianza y la violencia es para ellos un medio de expresión y comunicación.
MIERCOLES 7-05-08. 7:30 P.M
DESEANDO AMAR. (IN THE MOOD FOR LOVE)
DE WONG KAR-WAI
Sinopsis:
Hong Kong, 1962. Chow, redactor jefe de un diario local, y su mujer se mudan a un inmueble habitado principalmente por la comunidad de Shanghai. Chau conoce a Li-zhen, una joven que acaba de instalarse también en el edificio junto con su esposo. Ella es secretaria en una firma de exportación y su marido es representante de una empresa japonesa para la que continuamente está en viaje de negocios. Como su propia mujer se encuentra también a menudo fuera, Chow pasa cada vez más tiempo en compañía de Li-zhen. Quedan a menudo con sus caseros para jugar al mahjong o hablar del último cotilleo. Chow y Li-zhen se hacen buenos amigos. un día, deberán enfrentarse a los hechos: sus respectivos cónyuges están teniendo una relación amorosa. (FILMAFFINITY)
Mejor Actor (Tony Leung) 2001 Festival de Cannes: César Mejor película extranjera- Drama romántico.
"Insólita y emocionante, preciosa película (...) maravillosa, la historia de amor más triste del mundo" (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
"Bellísima" (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)
"Nueva y sofisticada película de Kar-Wai, elaborada con una planificación milimétrica y una sensibilidad fuera de todo convencionalismo" (Omar Khan: Cinemanía)
"Wong Kar-Wai se supera a sí mismo y entrega una de las películas más memorables de los últimos años. Un melodrama sencillo, cotidiano, pero narrado con un arrojo inusitado, con una perfección formal inimaginable en el cine contemporáneo. (...) Con mimbres livianos, la película se convierte, gracias a la pasión de su director, en una profunda reflexión, casi susurrada, sobre las relaciones personales, la amistad y el amor. Una maravilla." (Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
Referencias.
Dirige Wong Kar-Wai cuya filmografía está compuesta por las películas As tears go by (1988), Days of being wild (1991), Chungking express (1994), Ashes of time (1994), Fallen angels (1995) y Happy together (1997).
Está protagonizada por Maggie Cheung (La caja china, Supercop, As tears go by, Ashes of time) famosa por haber protagonizada numerosas películas de acción en su país y Tony Leung (Una bala en la cabeza, Cyclo, Chungking express, Happy together) premiado en el Festival de Cine de Cannes 2000.
La película precisó quince meses de rodaje y del metraje final el director consideró oportuno eliminar todas las escenas de amor de la pareja protagonista.
La censura china obligó a cambiar la localización de la película en Pekín por la de Hong Kong.
La estupenda fotografía es de Christopher Doyle (Liberty heights).
Una de las canciones está interpretada por Nat King Cole en castellano.
Consiguió el premio del cine europeo a la mejor película internacional y al equipo técnico en el Festival de Cine de Cannes 2000.
AÑO
2000
DURACIÓN
95 min.
PAÍS
DIRECTOR
Wong Kar-Wai
GUIÓN
Wong Kar-Wai
MÚSICA
Michael Galasso
FOTOGRAFÍA
Christopher Doyle & Mark Li Ping-Bing
REPARTO
Tony Leung (AKA Tony Leung Chiu Wai), Maggie Cheung, Rebecca Pan, Liu Chum, Siu Ping-Lam, Chin Chi-Ang, Chan Man-Lui, Koo Kam-Wah, Yu Hsien, Chow Po-Chun
PRODUCTORA
Block 2 Pictures Inc. / Paradis Films present a Jet Tone Production
SABADO 10-05-08. 6:30 P.M
OLD BOY
DE PARK CHAN-WOOK
Sinopsis
Un día del año 1988, Oh Dae-su (Choi Min-sik), un hombre que lleva una vida de lo más normal con su mujer y su pequeña hija, es secuestrado delante de su casa. Cuando se despierta, está encerrado, sin saber dónde ni por qué. Mientras Daesu intenta aclarar qué le ha pasado, se queda horrorizado al oír en las noticias que su esposa ha sido brutalmente asesinada. La policía explica que Daesu es el principal sospecho-so ya que se ha encontrado sangre suya en el lugar del crimen. El tiempo pasa, y decide escribir todo lo que ha hecho en su vida que haya podido causar dolor a otros. Mientras escribe, murmura: “He hecho daño a demasiadas personas. Seguro que el hombre que ha matado a mi mujer y me tiene aquí es una de ellas”. Poco a poco, Daesu se acostumbra a la penumbra de su celda y hace ejercicios físicos y mentales. Jura que se vengará del hombre que ha destruido su felicidad. Un día, alguien vaporiza la habitación con gas y Daesu se desmaya. Daesu vuelve en sí. Está libre. Le han dejado un teléfono móvil y una cartera llena de dinero. Recibe la llamada de un extraño, que le dice que ahora le toca descubrir el porqué de su encarcelamiento. Un pasado olvidado le revelará el secreto. Es la segunda parte de una "trilogía de la venganza" de Chan-wook Park. (FILMAFFINITY)
GANADORA DEL GRAN PREMIO DEL JURADO FESTIVAL DE CANNES 2004
Críticas
Tònia Pallejà Una atractiva mezcla de componentes que bebe por igual del cómic, de la tragedia griega, del cine norteamericano moderno y de un clásico de la literatura como "El Conde de Montecristo". No tan original y compleja como ecléctica y retorcida; siempre recomendable...
Joaquín R. Fernández Un crudo relato de venganzas donde lo que más llama la atención no es lo que se nos re-lata, sino cómo se nos relata, revistiendo de una artificiosa complejidad una intriga que plasma la tragedia que envuelve a los protagonistas, víctimas y verdugos a la vez...
Dirección: Park Chan-wook. País: Corea del Sur.Año: 2003.
Duración: 120 min. Género: Thriller.
Intérpretes : Choi Min-sik (Oh Dae-su), Woo Ji-tae (Lee Woo-jin), Gang Hye-jung (Mido), Chi Dae-han (No Joo-hwan), Oh Dal-su (Park Cheol-woong), Kim Byoung-ok (Sr. Han), Lee Seung-shin (Yoo Hyung-ja), Yoon Jin-seo (Lee Soo-ah), Lee Dae-yun (Mendigo), Oh Gwang-rok (Suicida).
Guión: Hwang Jo-yung, Lim Joon-hyung y Park Chan-wook; basado en una historia original de Tsuchiya Garon y Minegishi Nobuaki.
Producción: Kim Dong-joo. Música: Cho Young-wuk.
Fotografia: Jung Jung-hoon. Montaje: Kim Sang-bum.
Diseño de producción: Yoo Seong-hee.
Vestuario: Cho Sang-kyung.
Estreno en Corea del Sur: 21 Nov. 2003.
Estreno en España: 28 Enero 2005.
PRODUCTORA: Show East Co. Ltd . Corea
Críticas
"Old Boy es una de esas narraciones en las que parece que todo el cine es posible, que nada se hubiera inventado aún (...) narrada sin ninguna atadura, sin pagar peaje a los códigos del género más manido Made in USA (...) Brutal desenlace (... ) Un filme excepcional en toda la acepción de la palabra" (M. Torreiro: Diario El País)
"Dura, retorcida y brutal historia (...) Uno lo sigue a trompicones, sin acabar de pillarlo por completo, pero en un cierto estado hipnótico en el que pesa tanto la curiosidad como el temor a lo que pueda suceder en cualquier momento. (....) la intriga desemboca en el desagüe de un final indescriptible. (...) Puntuación: *** (sobre 5)." (E. Rodríguez Marchante: Diario ABC)
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Homenaje al gran maestro del cine Japonés, Akira Kurosawa, con motivo del 10ª aniversario de su muerte. Se exhibirán 5 peliculas clásicas de lo mejor de su filmografía.
Conocido como "El emperador del cine", Akira Kurosawa nació en 1910 y fue el menor de los siete hijos de un oficial descendiente de samurais y de una mujer perteneciente a una familia de comerciantes en Omori, Tokio. Estudió bellas artes, pero el temor de no ser un buen pintor y su interés por el cine lo llevaron en 1936 a trabajar en los estudios cinematográficos Toho en Tokio, primero como ayudante del director Kairo Yamamoto y luego como guionista de distintos realizadores.
Debutó como director durante la Segunda Guerra Mundial con La leyenda del gran judo (1943) y La nueva leyenda del gran judo (Zoku sugata sanshiro, 1945), historias llenas de espíritu nacionalista. En la segunda mitad de la década de los cuarenta realizó siete películas, entre estas destacan: No añoro mi juventud (Waga seishum ni kuinashi, 1946) y Un domingo maravilloso (Subarashiki nichiyobi, 1947), sólidos dramas, pero sobresale El Ángel borracho (Yoidore tenshi, 1948), la trama enfrenta a un médico alcohólico y a un gángster tuberculoso y fue la primera de su larga serie de colaboraciones con el famoso actor Toshiro Mifune, y además rodó El perro rabioso (Nora inu, 1949), un triller policiaco donde ofreció una visión neorrealista del Tokio de la postguerra.
Se dio a conocer internacionalmente con Rashomon (1950), cinta que trata sobre distintos puntos de vista acerca de una violación ocurrida en el siglo XI, y por la que resultó ganador del León de Oro de la Muestra de Venecia y del Oscar a la mejor producción extranjera en 1951. El éxito obtenido con Rashomon, le permitió rodar con total libertad: El idiota (Hakuchi, 1951), adaptación del clásico de Fiodor Dostoievski; Vivir (Ikiru, 1952) sobre la vida de un funcionario con cáncer; Los siete samuráis (Shishinin no Samura, 1954), historia de época con la cual gana nuevamente el León de Oro de la Muestra de Venecia; Los bajos fondos (Donzoko, 1954), versión de la obra homónima de Máximo Gorki; El trono de sangre (Kumonosu-jo, 1957), adaptación de Macbeth, de William Shakespeare; La fortaleza escondida (Kakushi toride no san Akunin, 1958) historia de época; El mercenario (Yojimbo, 1961), relato de samuráis, y El infierno del odio (Tengoku to jigoku, 1963), adaptación de una novela policiaca del especialista norteamericano Ed McBain.
Tras el fracaso comercial de Barba roja (Aka Hige, 1965), producción histórica sobre la vida de un médico, tardó cinco años en filmar El camino de la vida (Dodes ka-den, 1970), su primer trabajo en color, que consiste en una dura parábola sobre la otra cara del desarrollo económico. A pesar de que se trató de un gran cinta, el fracaso comercial propició que el famoso realizador no encontrara productores para sus siguientes proyectos, asunto que lo sumergió en una profunda depresión y lo llevó a un intento de suicidio. Cinco años después gracias al apoyo de la entonces Unión Soviética consiguió financiamiento para rodar Dersu Uzala, y llevar así a la pantalla las memorias del explorador Vladimir Arseniev.
Dersu Uzala, fue un éxito inesperado, una película reconocida entre sus mejores trabajos y con la cual ganó el gran premio del Festival de Moscú y el Oscar a la mejor película extranjera en 1975.
En 1980 recibió el Oscar por su trayectoria y filmó, Kagemusha con la ayuda de George Lucas y Francis Ford Coppola, recibiendo por esta cinta la Palma de Oro del Festival de Cannes. En 1984 filma Ran, nuevamente una adaptación de Shakespeare, al realizar la versión cinematográfica de El rey Lear. En 1990 comienza el rodaje de Los sueños de Akira Kurosawa, con la producción de George Lucas y Steven Spielberg.
Sus dos últimos trabajos fueron Rapsodia en agosto (1991) y Madayayo (1993) cintas que a su muerte, ocurrida el 6 de septiembre de 1998, mientras dormía, aún no habían sido proyectadas.
Filmografía
Sugata sanshiro, 1943. (La leyenda del gran Judo)
Ichiban utsukushika, 1944. (La mas bella)
Zoku sugata sanshiro, 1945. (La nueva leyenda del gran Judo)
Tora-no-o fumu otokotachi, 1945. (Los hombres que caminan sobre la cola del tigre)
Asu o tsukuru hitobito, 1946. (Los que construyen el porvenir)
Seishum ni kuinashi, 1946. (No añoro mi juventud)
Subarashiki nichiyobi, 1947. (Un domingo maravilloso)
Yoidore tenshi, 1948. (El ángel ebrio)
ketto, 1949. (Un duelo silencioso)
Nora inu, 1949.
(El perro rabioso)Shubun, 1950. (Escandalo)Rashomon, 1950
Hakuchi, 1951. (El idiota) Ikiru, 1952. (Vivir)
Shichinin no samurai, 1954. (Los siete samurais)
Ikimona no kiroku, 1955. (Crónica de un ser vivo)
Kimonosu-jo, 1957. (El trono de sangre).Donzoko, 1957. (Los bajos fondos)
Kakushi toride no san-akunin, 1958. (La fortaleza escondida)
Warai yatsu hodo yoku nemuru, 1960. (Los canallas duermen en paz)
Yojimbo, 1961. (El mercenario)Tsubaki Sanjuro, 1962. (Sanjuro)
Tengoka to jigoku, 1963. (El infiero del odio)
Akahige, 1965. (Barbaroja)Dodes ka-den, 1970.
Derzu Uzala, 1975.Kagemusha, 1980. (La sombra del guerrero), 1985.
(Batalla)Konna yume wo mita, 1990. (Los Sueños of Akira Kurosawa)
Hachigatsu no rapusodi, 1991. (Rapsodia de agosto)
Madadayo, 1992. (Espera un poco)
DOMINGO 11-05-08. 6:30 P.M
KAGEMUSHA DE AKIRA KUROSAWA
Ganadora de la Palma de Oro en Festival de Cine de Cannes.1980
Sinopsis:
En el Japón medieval, devastado por las guerras feudales, en una época llena de conflictos, un ladrón de poca monta es elegido para suplantar a un poderoso señor de la guerra tras la muerte de éste. (FILMAFFINITY)
Comentario"Obra impresionista en la que por encima de todo destaca una puesta en escena eléctrica" (Luis Martínez: Diario El País)
"Obra magistral (...) un filme de belleza visual apabullante, de impagable riqueza plástica, y crea una insólita combinación de drama épico e intimismo."
(Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
Obra producida por George Lucas y Francis Ford Coppola, grandes admiradores del maestro, que por aquellos años tuvo problemas para financiar sus películas." (FILMAFFINITY)----------------------------------------
AÑO
1980
DURACIÓN
159 min.
PAÍS
Japón
DIRECTOR
Akira Kurosawa
GUIÓN
Akira Kurosawa & Masato Ide
MÚSICA
Shinichiro Ikebe
FOTOGRAFÍA
Takao Saito & Masaharu Ueda
REPARTO
Tatsuya Nakadai, Tsutomu Yamazaki, Kenichi Hagiwara, Daisuke Ryu, Masayuki Yui, Toshihiko Shimizu
Comentario
En el Japón del siglo XVI, un ladrón es salvado del cadalso por su extraordinario parecido físico con el señor feudal de la región, Shingen Takeda (Tatsuya Nakadai, actor que luego protagonizaría para el mismo Kurosawa su siguiente filme, Ran/1985). Para salvar el pellejo, el ladrón de marras acepta trabajar como “kagemusha”, es decir, como doble del señor, sustituyéndolo cuando éste lo considere necesario. Sin embargo, Takeda es herido en combate y antes de morir pide a su corte que oculte su muerte durante 3 años para evitar que todo el clan sea destruido por sus múltiples enemigos. De esta manera, el falso Takeda tendrá que aparecer ante los ojos de todo mundo como el Señor Feudal.
Kagemusha, la Sombra del Guerrero, es una fascinante fábula sobre el poder y su capacidad de atracción y destrucción. Toda la cinta es un ir y venir entre la narrativa estática nipona (típica de un Yasujiro Ozu) y una puesta en imágenes diríase hollywoodense, con cruentas batallas bañadas en sangre, perfectamente montadas y coreografiadas. En este mismo aspecto, hay que tener especial atención en el diseño visual de todo el filme, calcado/homenajeado/plagiado por Francis Ford Coppola –por cierto, productor ejecutivo de esta película junto con George Lucas—en el prólogo de su disparejo filme Drácula de Bram Stoker (1992).
A pesar de que el filme fue escrito por el propio Kurosawa junto a su colaborador habitual Masao Ide, Kagemusha tiene un aire de tragedia clásica, casi shakespeariana: el ejercicio del poder –tema shakespeariano si lo hay-- transforma al ladrón y provoca que actúe impelido por la sombra del verdadero señor ya muerto. La devoción a esa sombra provocará finalmente la destrucción de él y de todo el clan, cumpliéndose así el sino fatal de aquéllos que son incapaces de comprender el poder.
Un filme ya clásico que, en su momento, se convirtió en un éxito inmediato tanto en la taquilla nipona –que siempre desconfió del “occidentalizado” Kurosawa—como ante la crítica y en todo el mundo: Kagemusha ganó la Palma de Oro en Cannes en 1981 y la cinta fue nominada tanto a los Globos de Oro como al Oscar en la categoría de Mejor Filme Extranjero (en los Globos le ganó el espléndido filme de época Tess/Polanski/1979, mientras el Oscar se lo llevó el melodrama ruso Moscú No Cree en Lágrimas/Menshov/1979). Eso sí: de cualquier manera Kurosawa obtuvo el premio al Mejor Director en los BAFTA británicos y Kagemusha fue nombrada como la Mejor Cinta Extranjera en los premios César franceses de 1981.
En todo caso, más allá de premios ganados o no, Kagemusha se muestra, más de 20 años después de su estreno, como una de las obras más perfectas de Akira Kurosawa, uno de los dos o tres más grandes cineastas nipones del siglo XX.
MIERCOLES 14-05-08. 7:30 P.M.
RAN DE AKIRA KUROSAWA
Sinopsis:
En el Japón feudal, y tras muchos años de guerra, el rey decide repartir sus tierras entre sus tres hijos. (FILMAFFINITY) Oscar al mejor vestuario 1985.Drama ambientado en la Edad Media. Japón Medieval en el Siglo XVI
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Obra maestra, original adaptación de "El rey Lear" en el Japón medieval. Grande, enorme película" (Javier Rioyo: Cinemanía)
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"Lúcida y violenta, con soberbias interpretaciones, deslumbrante montaje y precisión narrativa"
(Luis Martínez: Diario El País)
AÑO
1985
DURACIÓN
160 min.
PAÍS
Japón – Francia
DIRECTOR
Akira Kurosawa
GUIÓN
Akira Kurosawa, Hideo Oguni, Masato Ide (Novela: William Shakespeare)
MÚSICA
Toru Takemitsu
FOTOGRAFÍA
Takao Saito & Masaharu Ueda
REPARTO
Tatsuya Nakadai, Akira Terau, Jinpachi Nezu, Mieko Harada, Koji Yakusho, Yoshiko Miyazaki, Daisuke Ryu
PRODUCTORA
Coproducción Japón-Francia
VIERNES 16-05-08.7:30 P.M.
EL DUELO SILENCIOSO. ("Shizukanaru ketto").
DE AKIRA KUROSAWA
Sinopsis:
Kyoji Fujisaki es un médico que, durante una operación que realiza a un paciente infectado, se contagia de sífilis. Dos años después, y una vez terminada la Segunda Guerra Mundial, el doctor trabaja con su padre en un hospital, mas oculta a todo el mundo su enfermedad y se trata a sí mismo para evitar sus efectos. A causa de ello ha de renunciar a Misao, la mujer con la que estaba prometido y de la que va distanciándose poco a poco, pues no desea contarle la verdad y quiere que sea feliz con otro hombre. Akira Kurosawa vuelve a demostrarnos con este drama que es todo un maestro a la hora de describir las emociones humanas, haciendo partícipe al espectador de los padecimientos de los distintos personajes que aparecen en la cinta, todos ellos muy bien trazados. El uso de la cámara en interiores es magnífico, al igual que la dirección de actores (Toshirô Mifune, Takashi Shimura, Miki Sanjo, Kenjiro Uemura y Chieko Nakakita).
Comentario
Realizada en 1949 poco tiempo antes de su consagración con RASHOMON, SHIZUKANARU KETTO es un interesante drama psicológico que tiene como marco inicial los últimos coletazos de la II Guerra Mundial. En una secuencia de apertura caracterizada por su tenebrismo fotográfico, tensión dramática y el peso físico de la lluvia, el doctor Kyoji Fujisaki (un joven Toshiro Mifune) se corta accidentalmente en una de las sucesivas operaciones con un enfermo de sífilis.
Una vez culmina la contienda el doctor retorna a la clínica de su padre ya contagiado por la enfermedad, haciendo de ello una autentica tortura interior que sobrelleva atendiendo a los más necesitados y renunciando al sincero amor de Misao (Miki Sanjo) sin revelarle el origen de este rechazo. Meses después el doctor se encuentra con Nakada, la persona que le contagió la enfermedad en la operación, lo cual le produce un revulsivo emocional al tiempo que se entera de que este se ha casado y ha dejado embarazada a su mujer.Mientras pasa el tiempo y Misao finalmente tiene que optar por un nuevo pretendiente al seguir notando el extraño rechazo del joven doctor, finalmente será la enfermera Minegishi –una joven rebelde que ha ido madurando en el transcurso de sus meses como aprendiz y al tener un hijo sin haberse casado- la que conociendo la circunstancia de su tormento comprenderá la psicología del joven doctor, quedando abierta la esperanza del futuro en convivencia.
Contemplando EL DUELO SILENCIOSO se hace evidente por un lado la ascendencia occidental del cine de Kurosawa, que muy pronto materializaría sus célebres leyendas niponas o la adaptación a estas de obras universales, como la utilización de Shakespeare en TRONO DE SANGRE. En ocasiones parece que nos encontremos ante uno de esos dramas norteamericanos de los años 40, aunque uno de sus rasgos diferenciales sea esa franqueza al recurrir al papel de la sexualidad. Por otro lado el realizador sabe mostrar con sus pinceladas una sociedad traumatizada tras la culminación de la II Guerra Mundial en Japón. La miseria de esos necesitados a los que socorre el doctor Fujisaki –a quien llegan a llamar santo-; esa sensación de pesimismo casi existencial; el papel de una mujer que en la sociedad nipona se relega pero intenta cobrar un mayor peso en las decisiones...Sin embargo, en lo que más brilla EL DUELO SILENCIOSO es en la integración del paso del tiempo –y sus estaciones metereológicas- conforme discurre el metraje del film. A través de la presencia de unas verjas y ventanales sobre los que se proyecta la floración, el invierno, la lluvia y finalmente de nuevo la primavera discurre el nudo psicológico de la película y junto a la misma se desarrollan las relaciones entre los principales personajes, perfectamente desarrolladas y delineadas.
El film de Kurosawa, sin embargo, acusa un cierto hieratismo –al que no es ajena la crispada perfomance de Mufune- y funciona mucho más en la delicadeza de las secuencias confesionales generalmente entre dos personajes (enfermera – doctor hijo; doctor padre – doctor hijo). Secuencias como aquellas que se producen entre Kyoji y su padre (Takashi Shimura, el maravilloso protagonista de la posterior IKIRU), el mismo Kyoji y esa prometida a la que amandola profundamente finalmente tiene que dejar que discurra libremente en su vida para no poseerla con la enfermedad que contrae –la secuencia de la despedida tomando el te es un prodigio de delicadeza fílmica-. En realidad, todo ese conjunto de escenas y momentos, el uso de las elipsis para ir avanzando en el conocimiento de las cusas del drama del doctor –nos damos cuenta como escuchando tras la puerta casi todos se enteran de ello-, ofrecen el conjunto de un buen film.
De cualquier manera, en ocasiones el uso de planos cortos –el padre del doctor visionando las fotos del album en donde se guardan los recuerdos del noviazgo de su hijo; el estallido de cólera en el retorno de Nakada- o algunos estallidos dramáticos en el personaje que Mifune sirve con excesivo histrionismo y que desentona con la serenidad de otros pasajes, impiden que el conjunto alcance la altura que varias de sus secuencias podrían apuntar. En su conjunto cabe decir que Kurosawa ofrece algunas de sus inquietudes en un film que, pese a todo, tiene un considerable interés, mas allá del meramente historicista que podría plantear como título poco conocido de su posterior y celebrada trayectoria.
SABADO 17-05-08.6:30 P.M.
LOS SIETE SAMURAIS
DE AKIRA KUROSAWA
León de Plata en Festival de Venecia 1954. Mejor Película
Sinopsis:
En el Japón del siglo XVI, los pobres campesinos de un pueblo, para no tener que entregar sus cosechas a una banda de ladrones, deciden contratar a siete samuraís para que les defiendan. Impresionante película del maestro Kurosawa cuyo argumento generó posteriores westerns, entre ellos "Los Siete Magníficos". Apabullante dirección y puesta en escena, toda una joya del cine mundial"
"Película monumental, cima del genio del maestro Kurosawa, de sublime belleza plástica e inimitable potencia narrativa"
(Miguel Ángel Palomo: Diario El País)
AÑO
1954
DURACIÓN
205 min.
PAÍS
DIRECTOR
Akira Kurosawa
GUIÓN
Akira Kurosawa, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni
MÚSICA
Fumio Hayasaka
FOTOGRAFÍA
Asakazu Nakai (B&W)
REPARTO
Toshiro Mifune, Takashi Shimura, Yoshiro Inaba, Seiji Miyaguchi, Minoru Chiaki, Daisuke Kato, Ko Kumura, Kamatari Fujiwara, Keiko Tsushima
PRODUCTORA
Toho
La más popular de las películas de Akira Kurosawa, y para muchos la mejor. Cuenta cómo una ciudad que sufre ataques constantes de los bandidos, contrata a siete valientes samuráis sin empleo, para que les defiendan. Uno de ellos, el veterano, es el que se encarga de reclutar a los otros, de personalides diferentes, e incluso en un caso, valía dudosa. El film describe los preparativos de defensa, y la convivencia con los paisanos a los que deben proteger. Todo confluirá en el momento climático del ataque definitivo de los forajidos.
Como es bien sabido, la película fue tan popular que en Estados Unidos se rodó un remake con formato de western, Los siete magníficos de John Sturges. Se trató de un rodaje complicado, cerca de un año, y que produjo mucho metraje. El presupuesto fue sobrepasado, y el estudio Toho se planteó seriamente prescindir de los servicios del director. Da idea de los problemas también el hecho de que el film conoció varios montajes. Fue la primera película en que Kurosawa rodó escenas con varias cámaras, concretamente tres. La cosa tenía su lógica, pues las escenas de acción eran muy costosas y no se podía correr el riesgo de perder algún plano de interés; pero, a partir de entonces, tal modo de funcionar se convirtió en habitual en el director, incluso para escenas más íntimas.
La película fue muy innovadora en lo concerniente al cine de acción, e introdujo algunos elementos novedosos, que luego serían copiados una y mil veces, como el clásico plano en que un grupo numerosos de jinetes asoma poco a poco en lo alto de una colina. Por su parte, Kurosawa era un rendido admirador de John Ford, algo que se puede apreciar en este film. Del cineasta estadounidense dijo que era alguien al que le gustaría parecerse, a medida que se hacía mayor.
DOMINGO 18-05-08. 6:30 y 8:30 p.m
LOS SUEÑOS DE AKIRA KUROSAWA.
Sinopsis.
El maestro nipón Kurosawa presenta una película compuesta de ocho cortometrajes de veinte minutos cada uno. Son ensoñaciones dispersas, sin unidad temática, pero engarzadas recíprocamente en deseos, angustias y añoranzas. (FILMAFFINITY)
"Ocho ensoñaciones realizadas por el maestro japonés. Hermosa y poética despedida onírica" (Javier Rioyo: Cinemanía) Fantástico
El maestro Kurosawa presenta una película compuesta de ocho cortometrajes de veinte minutos cada uno. Son ensoñaciones dispersas, sin unidad temática, pero engarzadas recíprocamente en deseos, angustias y añoranzas. (FILMAFFINITY)
TITULO ORIGINAL
Akira Kurosawa's Dreams
AÑO
1989
DURACIÓN
120 min.
PAÍS
DIRECTOR
Akira Kurosawa
GUIÓN
Akira Kurosawa
MÚSICA
Shinichiro Ikebe
FOTOGRAFÍA
Takao Saito
REPARTO
Yuri Raksha, Maxime Monzouk, Martin Scorsese, Akira Terau, Mitsuko Baisho, Mieko Harada
PRODUCTORA
Coproducción Japón-USA; Distribuida por Warner Bros. Pictures
SINOPSIS
SINOPSIS:
“Meteoro”
1992, USA, color. Documental Dirección: 
Ficha técnica:
IMPARTIDA POR
Precios entradas:
Ficha Técnica:
SINOPSIS:
DIRIGIDA POR NORMAN RUIZ y LILIANA ROMERO
El elenco compuesto por los actores Daniel Fanego (Martín Fierro), Aldo Barbero, César Bordón, Héctor Calori, Claudio Da Passano, Cristina Fridman, Claudio Gallardou, José Adolfo Gaillardou (el Indio Apachaca), Isabel Quinteros, Claudio Rissi, Gabriel Rovito, Roly Serrano y Juan Carlos Gené, presta las voces que dan vida a todos los personajes que interactúan en esta súper producción en la que participaron más de 100 dibujantes. La música de la película, está compuesta y dirigida por Mauro Lázzaro, y fue grabada por 70 músicos de la Bratislava Simphony Orchestra, asimismo las canciones originales son interpretadas por Fernando Pécora, cantante del grupo musical Volador G.
El más universal de los guitarristas venezolanos, Alírio Díaz es elcentro del documental de 75 minutos realizado por Yanilú Ojeda e Israel Colina, el cual será estrenado a nivel regional este Sábado 7 de Marzo a las 6:30 de la noche en la sede del cine club "Charles Chaplin" perteneciente al Colegio de Abogados de Lara.
Como ya mencionamos al finalizar la proyección habrá una tertulia y cine foro con el publico cinéfilo presente donde el guionista Jesús Díaz disertará sobre esta obra maestra y realizará comparaciones entre la novela de Robert Bloch y la versión fílmica de Joseph Stefano, expondrá la estructura de este guión, sus personajes y las anécdotas que hacen de esta película una referencia obligatoria para los actuales y futuros realizadores.
SINOPSIS:
UNIDAD II. Instalación de los laboratorios cinematográficos de la nación y su relación con la Venezuela Gomecista (1927-1935)
UNIDAD III. Estudios Ávila (1938-1942)
UNIDAD V. Aparición de jóvenes autores: Enriquez, Banacerraf, Chalbaud, entre otros.
Amazonia Films, en conjunción con el Cine Charles Chaplin trae a la gran pantalla larense un excelente trabajo de coproducción venezolano-argentino-uruguaya en el marco del Ciclo de Cine Iberoamericano 2009. 
La Punta del Diablo, presenta la historia de un exitoso neurocirujano al que le diagnostican un tumor, por lo cual se aísla de sus seres queridos para tomar unas vacaciones y esperar lo que el destino le depare, hasta que una mujer se cruza en su camino para dar un vuelco inesperado a sus planes al conectarlo de nuevo con la vida.
Esta obra cinematográfica es la ópera prima del director argentino Marcelo Paván, quien se había dedicado a la producción ejecutiva de más de 10 largometrajes, además de la dirección de documentales y actividades docentes en Cuba y Argentina. Pero hay que resaltar la importante participación venezolana del film al contar con la producción de Alexandra Solórzano, la aparición de la actriz Prakriti Maduro y un nutrido grupo de técnicos, como Luis Rahamut (Editor), Carlos Bolivar (Sonidista) y Orlando Andersen (Producción de Sonido).
En un esfuerzo mancomunado por diversificar la oferta cinematográfica de Venezuela, esta obra viene a formar parte del Ciclo de Cine Ibeoroamericano del 2008, gracias a la gestión de la Distribuidora Nacional de Cine Amazonia Films, organismo que integra la Plataforma Cine y Medios Audiovisuales del Ministerio del Poder Popular para la Cultura.
FICHA TÉCNICA
En esta producción se entrelaza la tragicómica cotidianidad de los citadinos de las grandes urbes, con el deseo innato de encontrar ese “algo” desconocido. Dos historias, dos caminos, dos nombres, una búsqueda. Así se explican los personajes encarnados por Viviana Herrera (Cristina) y Andrés Ulloa (Tristán). 
“Play” es una producción chilena, escrita y dirigida por Alicia Scherson, quien, en ésta que es su primera película, se inspiró en su Santiago natal para recrear, en la ciudad, la vida de Cristina, una mapuche que cuida a don Milos y que encuentra en la basura el maletín de Tristán, un joven que ha sido abandonado por su mujer. Sin encontrarse, siguiéndose por Santiago, el relato revela una historia mínima, pero que se eleva sutilmente por calles, por la gente, por los olores.
Esta producción cinematográfica ha sido galardonada con reconocimientos internacionales, tales como: “Tribeca Film Festival New Cork 2005” y el “Premio del Público Santiago Festival Internacional 2005”.
Sinopsis
Premio Oso de Oro. Festival de Cine de Berlín 2008. Mejor Película
El Capitán Nascimento pertenece al Batallón de Operaciones Especiales de Brasil (BOPE). Este batallón es el que combate en las favelas de Río de Janeiro el narcotráfico de drogas pues la violencia es tanta que la Policía Militar no es suficiente para exterminar este mal tanto por la violencia misma como también porque la realidad indica que efectivos policiales han sido sobornados por las mismas mafias que deben combatir, acrecentando aún más el problema ya que estos efectivos incluso han cooperado con el tráfico de drogas por medio de la entrega de armas. Contra esto, el BOPE debe cumplir la misión "Juan Pablo II" y para esto deberán "limpiar" la favela. Sin embargo, para el Capitán Nascimento la misión va mucho más allá pues está buscando a quien tome su cargo en el batallón y para ello organiza una promoción de Policías Militares que pretenden ingresar al BOPE.
Dirección: José Padilha. Guión: José Padilha, Rodrigo Pimentel y Bráulio Mantovani. Producción: Marcos Prado y José Padilha. Fotografía: Lula Carvalho. Montaje: Daniel Rezende. Música: Pedro Bromfman. Dirección artística: Tulé Peake. Intérpretes: Wagner Moura (capitán Nascimento), André Ramiro (André Matias), Caio Junqueira (Neto), Milhem Cortaz (capitán Fábio), Fernanda Machado (Maria), Maria Ribeiro (Rosane), Paulo Vilela (Edu), Fernanda de Freitas (Roberta), André Mauro (Rodrigues), Fábio Lago (Baiano). Género: Drama, thriller.
(Uruguay – Argentina – Canadá – España, 2006, 108 min. Amazonia Films)
Criticas
Conjuntamente con cortometrajes venezolanos antes de la función.
Dirección y guión: Alicia Scherson. Países: Chile, Argentina y Francia. Año: 2005. Duración: 105 min. Género: Drama.Interpretación: Viviana Herrera (Cristina Llancaleo), Andrés Ulloa (Tristán Greenberg), Aline Küppenheim (Irene), Coca Guazzini (Laura), Jorge Alis (Ricardo), Francisco Copello (Milos), J. Pablo Quezada (Manuel), Andrei Slobodianik (Ruso), María José San Martín (Amanda).Producción: Sergio Gándara y Macarena López.Música: Joseph Costa y Marc Hellner.Fotografía: Ricardo de Angelis.Montaje: Soledad Salfate.Dirección artística: Sebastián Muñoz. 
Domingo 18-01-09. 6:45 p.m.
Todo va de acuerdo a sus planes hasta que María se cruza en su camino. Siguiendo un impulso que le parece ajeno, la sigue hasta Punta del Diablo, en Uruguay, donde descubre que toda la libertad de María tiene dueño: Franco.
- Georges Méliès y los primeros trucajes.
DOMINGO 26-10-08. 6:30 P.M. C.C. CHARLES CHAPLIN
MIERCOLES 29-10-08. 7:00 P.M. CINE CLUB GUACHIRONGO
MIERCOLES 5-11-08. 7:00 P.M. CINE CLUB GUACHIRONGO
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La edición 2008 del Festival de cine Español se realizará en homenaje a un gran amigo y colaborador de este cine club, el Sr. Gilberto Agüero Gómez, quien ha sido ganador de diversas distinciones literarias por su constante labor dramatúrgica.
Además, de eso Gilto se constituyó en uno de los más cercanos amigos de Juan Arcadio, con el cual compartió y disfruto el amor por los grandes clásicos de la cinematografía mundial y la extensa biblioteca especializada tanto de cine como de teatro que poseía Arcadio.
Fecha de inauguración del festival: Miércoles 22 de Octubre del 2008. Sede del Colegio de Abogados de Lara
Domingo, 28 de septiembre de 2008. 7:00 p.m. En Formato DVD
“Aunque no la conocía personalmente, para interpretar a Edith Piaf pensé inmediatamente en Marion Cotillard. La había visto en algunas películas en las que mostraba su talento dramático, tan importante para el papel y que pocas actrices posen. Edith Piaf es un icono: todo el mundo reconoce su rostro, su voz, su silueta. Para que el público aceptara lo que yo quería decir, tenía que existir un parecido entre la actriz y la Piaf. Marion es más guapa, pero guarda una clara semejanza con las fotos de la cantante cuando era joven. Así que le envié el guión y luego nos vimos. No teníamos mucho tiempo, así que no hicimos pruebas propiamente dichas, sólo dedicamos medio día al maquillaje. Pero lo que sí le pedí a Marion es que hiciera el mismo trabajo de investigación que yo había hecho, que leyera libros y que viera sus películas. Me parece que ella, al igual que yo, ha hecho esta película de forma intuitiva, la mejor forma de hacerla.
El Niño: La indolencia como estilo de Vida Bélgica y Francia coinciden en esta propuesta cinematográfica,que aborda el tema del amor urbano y el contrabando de niños
